Pour son premier film, Pet Shop Days, Olmo Schnabel (fils du metteur en scène et peintre Julian Schnabel) nous offre une histoire d’amour brute, incandescente et autodestructrice de deux jeunes garçons, Alejandro (Darío Yazbek Bernal, dans un rôle difficile de chien fou sacrificiel) et Jack (Jack Irv, un grand naïf placide qui traverse une véritable épreuve initiatique), qui n’auraient jamais dû se rencontrer. Le premier quitte le Mexique et son carcan familial dans lequel il étouffe après avoir (croit-il) tué accidentellement sa mère ; le second, un jeune bourgeois new-yorkais, échappe lui-même à sa famille en vivotant dans le cadre de petits boulots alimentaires. C’est dans un New York intemporel et fantasmé que la première rencontre a lieu. S’ensuit une liaison enflammée, mâtinée de sexe, de drogues et de larcins divers, qui conduira ces deux Bonnie et Clyde de la génération Z à se perdre dans une spirale dangereuse et tragique à la Sailor et Lula. C’est à l’occasion de la sortie en France de son film tourné en 2022 qu’Olmo Schnabel a accepté de répondre aux questions d’À Rebours.
À Rebours : Pet Shop Days est votre premier film en tant que réalisateur. Qu’est-ce qui vous a donné envie de vous lancer dans la réalisation ?
Olmo Schnabel : Je dirais que cette envie remonte à mon enfance. Chaque fois que je pouvais m’échapper de la réalité ou lorsque je voulais tout simplement m’isoler et trouver du temps pour moi, je me rendais au cinéma. C’était un réflexe tout naturel, contrairement aux autres activités pour lesquelles je devais toujours fournir des efforts. J’étais à peine né quand mon père a commencé à tourner. J’ai donc vécu pleinement cette période de sa carrière durant laquelle il était non seulement peintre, mais aussi metteur en scène, ce qui m’a permis d’assister au tournage d’Avant la Nuit, du Scaphandre et le Papillon… J’adore ces films, et je pense que le voir réaliser ces œuvres en temps réel m’a donné envie de reproduire ce processus à mon tour, j’ai toujours su que c’était ce que je voulais faire. Pendant assez longtemps, ça m’a fait peur et j’ai hésité à me lancer. Je me disais que je n’étais pas fait pour ça et que je devrais peut-être faire autre chose, car je ne croyais pas en moi et je n’avais pas confiance en ma capacité à faire ce que j’aimais. J’ai dû surmonter cette peur. En attendant, je me suis consacré à de nombreux autres métiers. J’ai étudié l’histoire de l’art, et j’ai pensé, dans un premier temps, devenir marchand d’art ou conservateur. Mais mon amour d’enfance pour le cinéma a repris le dessus tout naturellement. Quand vous êtes passionné par quelque chose, vous avez plus de facilités à vous y consacrer tout entier. Le cinéma est évidemment très difficile, mais ça vaut la peine de persévérer, même si tout ne se déroule pas comme on le souhaiterait. Il faut toujours tenir bon.
Vous avez parlé de votre père. Pensez-vous qu’il faille faire davantage ses preuves quand on est soi-même le fils ou la fille d’un célèbre metteur en scène ? Y a-t-il des pièges qu’il faut absolument éviter pour ne pas être sans cesse comparé à lui ?
Je ne sais pas si j’ai besoin de lui prouver quoi que ce soit. Je pense que beaucoup de gens adorent faire ces comparaisons. Il m’a montré la voie et, grâce à lui, j’ai su ce qu’il était possible de faire. Je lui suis évidemment très reconnaissant de m’avoir permis d’assister aux tournages et de m’avoir donné la possibilité de grandir dans cet environnement. Je dirais même plus, je ne pense pas que je serais cinéaste s’il n’avait pas été cinéaste lui-même. Je n’aurais pas été aussi intéressé par le cinéma s’il ne m’avait pas montré tous ces films quand j’étais jeune et s’il ne m’avait pas consacré ce temps qui est primordial pour l’éducation et la formation intellectuelle d’un enfant. Et d’ailleurs, même maintenant, c’est ce qu’on fait : quand on passe du temps ensemble, on regarde des films, c’est aussi simple que ça. En fin de compte, c’est le travail qui doit parler de lui-même. Parfois, les gens ont tendance à penser que vous bénéficiez de tout un tas d’opportunités parce que vous êtes issu d’un milieu privilégié. J’assume cela, je ne vais pas le cacher, mais il m’a malgré tout été très difficile de venir à bout de cette première expérience. C’est un processus qui a demandé beaucoup de temps, d’autant plus que le film n’était pas simple à réaliser. Je ne fais pas attention à ces jugements à l’emporte-pièce. Les gens s’inventent des histoires sur vous, sur la façon dont vous avez mis en œuvre ce projet, mais pour moi, ce qui compte vraiment, c’est ce que mon père et moi avons vécu et partagé en regardant des films, en parlant de cinéma, en étant présents sur les plateaux de tournage. Tout ça a été très précieux pour ma formation.
Le film raconte l’histoire de deux jeunes hommes, Alejandro et Jack. Le premier traverse une période difficile et entraîne l’autre, qui est très naïf, dans une spirale dangereuse. Ce qui les rapproche est en premier lieu la relation conflictuelle avec leurs pères respectifs. Ce film est-il aussi pour vous un moyen de tuer symboliquement votre père ?
Ils viennent d’horizons différents, mais partagent beaucoup d’expériences similaires. Dans ce film, tout le monde est dysfonctionnel au sein des deux familles : les parents, les enfants… Le thème principal consiste à dire que, peu importe où ils en sont dans leur vie, ou de combien d’argent ils disposent, et bien que tout semble aller pour le mieux en apparence, comme dans toute famille parfaite et stéréotypée, en grattant un peu, on remarque bien vite que tous les personnages essayent de trouver un sens à leur vie et de survivre comme ils peuvent. Ils ont tous un côté impulsif qui leur vient de cette quête de sens. C’est justement ce qui les pousse à agir de manière erratique. Il est vrai que, lorsqu’on est en quête d’un sens à donner à sa vie, on est ouvert à toute éventualité, à tout ce qui peut nous tomber dessus. Alejandro et Jack sont dans cette quête d’identité, c’est pourquoi ils sont prêts à tout sans réfléchir aux conséquences, pour simplement se sentir vivants.
Dans le film, la confrontation père-fils est complexe. Dans le premier cas, entre Alejandro et son père, elle n’existe tout simplement pas. Dans le second cas, entre Jack et le sien, ils se réconcilient mais cela peut sembler hypocrite, et l’on ne croit pas tout à fait à cette relation. Quelle est votre opinion ?
Jack et son père sont tous deux conscients qu’ils sont dépassés par les événements et qu’ils sont en quête de quelque chose. Ils finissent par trouver un moyen de communiquer et de se pardonner mutuellement. Plus que tout, il s’agit ici de pardon mais aussi d’adieu. Je ne pense pas que Francis, joué par Willem Dafoe, deviendra un meilleur père par la suite ; il est simplement libéré d’un poids. En effet, la situation problématique dans laquelle ils se dépêtraient trouve une résolution, et c’est ça qui est libérateur et qui constitue un énorme soulagement : ils n’ont plus à se cacher, ils peuvent agir désormais à découvert et n’ont plus d’attentes l’un envers l’autre… C’est la preuve que Jack mûrit. Quand on grandit, on juge ses parents, on veut qu’ils montrent l’exemple, et s’ils échouent, on a tendance à être déçu. Mais la véritable preuve de la maturité, c’est de réaliser à un moment donné que, quel que soit le moment de votre vie, ou quel que soit votre niveau de réussite, vous n’éviterez jamais les problèmes car la vie est par définition conflictuelle. Le tout est de travailler constamment à devenir une meilleure personne.
La relation d’Alejandro avec sa mère est assez ambiguë, presque incestueuse, si l’on pense à la scène d’ouverture du film. En effet, Alejandro et Carla sont présentés de telle manière qu’au début, ils semblent être amants, comme s’il n’y avait pas d’échappatoire au schéma familial dans lequel ils sont captifs. Alejandro éprouve un véritable amour pour sa mère, mais celui-ci reste confiné au sein de la famille. Est-ce le message que vous vouliez transmettre à travers le film ?
Il ne s’agit pas d’inceste réel. Évidemment, nous jouons beaucoup sur cette idée. Plus que tout, je dirais qu’ils sont enfermés dans une cage dorée. Bien qu’ils vivent dans cet endroit magnifique, la seule chose qu’ils possèdent vraiment, c’est cette relation entre eux deux. C’est l’un auprès de l’autre qu’ils parviennent à trouver du réconfort et de l’intimité, puisqu’ils sont prisonniers de leur réalité et de leur environnement. Par leur proximité, ils ne peuvent compter que l’un sur l’autre, et c’est ce que je voulais montrer plus que tout dans ce film. Je ne vais pas dévoiler l’intrigue, mais quand Alejandro s’échappe de cette prison après avoir « tué » sa mère, il se trahit lui-même au plus haut point. C’est ce qui explique son côté autodestructeur une fois arrivé à New York, car il a déjà renoncé à tout ce qu’il aimait. Il était important pour moi de dépeindre une relation qui ne se résume pas à une simple complicité mère-fils. Il n’y a pas de hiérarchie entre eux, ce sont plutôt des amis et, de fait, des amants. Je n’ai pas voulu explicitement faire allusion à ce dernier point, je voulais en revanche que les gens s’interrogent sur la proximité de cette relation unique et singulière.
Le film est une odyssée, à travers Manhattan, par Alejandro et Jack, tous deux issus de la génération Z, où sexe et drogue sont omniprésents. Peut-on parler d’une histoire à la Bonnie et Clyde version génération Z ?
Bien sûr. Ce film parle aussi de la jeunesse. Néanmoins, la génération Z est très associée à de nombreux éléments qui sont absents du film : il n’y a ainsi ni téléphone ni réseaux sociaux. C’est une histoire à la Bonnie et Clyde, avec des personnages qui commettent des crimes et qui prennent la fuite ensemble. L’action se déroule également de nos jours, ou du moins dans une version alternative du présent qui pourrait être le nôtre. Je pense donc que le qualifier de Bonnie et Clyde de la génération Z est tout à fait pertinent.
Ce film soulève également la question des relations entre les classes sociales : Alejandro est issu d’une famille de nouveaux riches qui a fait fortune dans la mafia au Mexique. Celle de Jack est une famille bourgeoise new-yorkaise. Même s’ils tombent amoureux, un fossé les sépare, qu’il semble difficile de combler. Par exemple, Alejandro s’introduit de nuit dans la maison familiale de Jack et essaie les vêtements de sa mère. On peut imaginer qu’il fantasme sur le fait de faire partie de ce monde, sans pouvoir jamais y parvenir. C’est une vision assez fataliste ou pessimiste du monde.
Il ne peut pas y appartenir parce que, même si la famille de Jack est dysfonctionnelle, elle l’est beaucoup moins que celle d’Alejandro. Il est en proie à des troubles psychotiques. Il remarque que Jack a un avantage sur lui, c’est la possibilité de mener une vie normale ou en tout cas plus normale que la sienne, et c’est tout ce à quoi il aspire. Même si la vie de famille de Jack semble brisée, Alejandro se rend compte que son ami a une chance d’obtenir malgré tout ce qu’il veut, ce n’est donc pas complètement la fin pour lui, contrairement à Alejandro qui a emprunté la voie de l’autodestruction. Ce dernier souhaite que tout s’arrête et n’essaie plus de s’échapper, ou plus précisément, il essaie de s’échapper d’une manière différente, pas en fuyant avec Jack. Il sait qu’il est condamné, et il fera tout ce qu’il faut pour que la fin arrive le plus tôt possible. Mais il a néanmoins une vision romantique de la chose : il ne veut pas simplement mettre fin à ses jours, il veut entraîner tout le monde avec lui dans sa chute.
Le père d’Alejandro envoie un ami de la famille récupérer son fils et le ramener au Mexique par tous les moyens nécessaires. Cela peut nous rappeler le personnage de Harry Dean Stanton dans Sailor et Lula de David Lynch, un film dans lequel joue également Willem Dafoe, et où le personnage de Stanton est envoyé par la mère de Lula pour la ramener à la maison. Sailor et Lula est également un road movie à la Bonnie et Clyde, avec du sexe et de la drogue. Aviez-vous ce film en tête lorsque vous avez écrit le vôtre ?
Non, mais Jack [Irv], qui a coécrit le scénario avec moi, y pensait certainement. On peut penser à Sailor et Lula, bien sûr, mais aussi à After Hours et toute une série de films, comme Thelma et Louise ou True Romance. Ces films s’inscrivent en quelque sorte dans le même schéma.
Il y a évidemment des références explicites, comme une sorte d’hommage que nous avons rendu, consciemment ou non, à ces films. Plus qu’un clin d’œil romantique, toutes ces références ont contribué à façonner l’histoire que nous avons écrite et filmée.
New York est un personnage à part entière du film. Quelle est précisément votre vision de New York ?
C’est une question pertinente, car New York est effectivement un personnage du film, mais il s’agit d’un New York qui n’existe plus, un New York d’un conte de fées qui aurait vrillé, et qui fait davantage penser à ce à quoi cette ville ressemblait dans les années 70 ou 80. Il était important de recréer une ville qui ne soit pas fidèle à ce qu’elle est aujourd’hui, c’est-à-dire une version sans aucun doute aseptisée et censurée. Dans le film, c’est une sorte de New York pornographique et sans limites. Du moins, c’est l’impression que cela donne, puisque c’est censé être un endroit où tout peut arriver, où les opportunités se présentent au détour d’une rue et où l’aventure vous tombe inévitablement sur le coin de la tête. Alejandro et Jack perdent tout contrôle dans cette ville qui les submerge. Elle a une texture particulière et dégage une atmosphère dangereuse, sexy et sombre. Pet Shop Days, c’est une lettre d’amour à un ancien New York fantasmé.
L’utilisation de la lumière contribue également à cette atmosphère inquiétante. Elle semble parfois floue, presque sale. Comme vous l’avez dit, même si l’action se déroule à Manhattan aujourd’hui, on peut y voir le New York des années 70 ou 80, en raison du grain particulier de la photographie. Votre directeur de la photographie, Hunter Zimny, a tourné sur une pellicule 16 mm. L’effet de retour dans ces années-là était donc intentionnel.
Bien sûr. Mais nous aimons malgré tout aussi la couleur. Il y a ainsi beaucoup de rouge, dans les tons sombres. Très souvent, les personnages entrent dans la lumière et en sortent, comme si c’était un passage à franchir. Cela participait de notre volonté de donner plus de caractère à New York, qui ne devait pas rester discret ou en arrière-plan. Je voulais que la ville s’impose dans le film. Et pour ce faire, j’avais des idées très précises de quartiers où l’on obtiendrait plus facilement cet effet, nous ne devions pas tourner n’importe où. Nous voulions nous assurer que la ville ait ce côté brut et dangereux, et qu’elle dégage une certaine noirceur qui contredit cette image de ville centre du monde où tout va pour le mieux. Je ne vis plus à New York actuellement, j’ai donc joué avec les souvenirs et la nostalgie que j’en ai gardés pour recréer une ville qui correspondrait au film. Dans notre histoire, il se passe tout un tas de choses qui ne pourraient plus avoir lieu de nos jours (la facilité avec laquelle les personnages cambriolent et s’enfuient, par exemple). De nombreux éléments sont romancés et mettent en avant un côté décadent. New York n’est plus le même entre le jour et la nuit, au cours de laquelle la ville se décompose tout à fait.
Il y a un mélange de drame et de comédie. Évoquons cette scène avec l’escort girl qui décide de se rendre aux toilettes avant de faire un plan à trois avec Jack et Alejandro, ce qui met ce dernier très en colère. C’est presque une scène comique. Il était important pour vous de mélanger justement aspects comiques et tragiques ?
Lorsque vous abordez certaines questions sensibles ou personnelles, vous pouvez soit adopter une approche sérieuse, soit faire preuve d’humour. Face à une situation problématique ou une période difficile de votre vie, le fait de pouvoir les prendre de haut avec humour peut généralement vous aider à les percevoir différemment. Cela transparaît clairement dans le langage du film. On a tendance à traiter des sujets qui semblent sombres et dérangeants par l’humour. C’est amusant et, dans le même temps, cela peut heurter à certains moments, ce qui provoque un certain trouble ou une confusion. Je pense que ce film est aussi censé être divertissant, avec une touche d’insouciance adolescente. On essaye de ne pas trop se prendre au sérieux et de proposer un film qui donne une impression de liberté, sans aucune volonté de censure. À la fin, quand Alejandro commet un cambriolage, il se met à regarder un tableau représentant un petit garçon, il en est comme hypnotisé. Il monte ensuite à l’étage et renifle des sous-vêtements féminins. Cela procure un ton ludique, qui ne se prend pas au sérieux.
Le casting est très varié, avec à la fois des acteurs jeunes et d’autres plus expérimentés, tels que Willem Dafoe, Emmanuelle Seigner ou Maribel Verdú. Était-il important pour vous d’avoir une telle diversité de profils dans votre premier film, avec à la fois des acteurs chevronnés et des nouveaux venus ?
Jack [Irv] a écrit le scénario, il était donc logique qu’il joue le rôle de Jack, car Jack est Jack. Je connaissais également Darío Yazbek Bernal, il a lu le scénario très en amont et s’est tout à fait identifié au personnage. Il y a vu là une occasion d’incarner un personnage différent. Évidemment, on ne peut pas réaliser un film seulement avec des acteurs amateurs, j’ai donc fait appel à Willem Dafoe. Je le connaissais depuis toujours, car il avait travaillé avec mon père et nous avions noué une relation amicale. Pendant le tournage d’At Eternity’s Gate [de Julian Schnabel, 2018], il a lu le scénario et l’a trouvé extrêmement amusant et rafraîchissant. Nous avons donc construit le film autour de lui. Quand il m’a finalement donné une réponse positive pour y participer et m’a dit qu’il pouvait le faire, tout s’est mis en place très vite. En effet, quand quelqu’un de l’envergure de Willem participe à un projet, cela attire inévitablement d’autres comédiens qui veulent se joindre à l’aventure. Avoir Emmanuelle Seigner et Maribel Verdú était surréaliste, car ce sont deux actrices que j’ai toujours adorées depuis tout petit. En écrivant leurs personnages, je savais qu’elles pourraient vraiment s’immerger dans leur rôle et s’identifier à ces mères de famille. Je bouclais en quelque sorte une boucle, car j’aurais adoré travailler avec elles quand j’étais plus jeune, mais je me disais que jamais une telle occasion ne se présenterait. Alors, quand l’opportunité s’est concrétisée, je me suis dit que l’univers ou la providence avait exaucé l’un de mes vœux les plus chers. Ce mélange entre acteurs vétérans et débutants devait aussi se retrouver dans les rôles masculins. J’ai ainsi pu demander aux jeunes acteurs de faire des choses que je n’aurais jamais osé demander à des interprètes que je ne connaissais pas au préalable. Je savais que Darío et Jack s’investiraient pleinement dans leur rôle et qu’ils ne se sentiraient pas mal à l’aise. Ce n’était pas un tournage facile, alors j’ai préféré travailler avec des personnes que je connaissais bien, et c’est ce qui a permis au film d’avancer. Si j’avais demandé à quelqu’un que je ne connaissais pas de faire tout ça, il aurait tout simplement abandonné. Ils ont donc été en quelque sorte la force qui a donné vie au film. Et tout le monde, y compris moi-même, s’est rallié à cette idée.
Peter Greene fait une apparition. Cela nous rappelle des films célèbres des années 90, comme The Mask, Usual Suspects ou Pulp Fiction. Une période pendant laquelle il était très actif, avant de disparaître de l’industrie cinématographique. Est-ce un hommage au cinéma des années 90 ?
Oui ! J’adore Peter Greene. Beaucoup de gens m’ont marqué quand j’étais plus jeune, et il en fait partie. Même Jordi Molla, que l’on peut voir dans Jamón, Jamón ou Blow. Ces personnes sont restées gravées dans ma mémoire et m’ont profondément marqué pendant mes années de formation. Et tout à coup, elles me sont revenues à l’esprit. Mais évidemment, le film est avant tout une lettre d’amour à un cinéma qui n’existe plus, qu’il s’agisse de Taxi Driver, des films de Brian De Palma ou de John Cassavetes, qui sont davantage les références pour le New York que nous voulions traiter.
Gregg Araki et Larry Clark peuvent aussi venir à l’esprit.
J’adore Bully et Kids ! Le premier surtout a été une référence majeure. Ce film m’a beaucoup marqué quand j’étais plus jeune. Je pourrais citer les films d’Harmony Korine aussi. La liste est longue des personnes que j’admire et que je respecte, et qui m’ont incité à devenir cinéaste.
En ce qui concerne le choix de la musique, vous faites un clin d’œil aux Pet Shop Boys, comme le suggère le titre. Cependant, la bande originale a été presque entièrement composée par Eli Keszler. Pourquoi ce choix ?
Notre monteuse, Sophie Corra, m’a présenté Eli, et j’ai tout de suite senti que nous étions sur la même longueur d’onde. Il comprenait le film et était enthousiaste à l’idée de travailler dessus. Quand quelqu’un est motivé, enthousiaste et semble comprendre votre vision, vous sautez sur l’occasion et vous la saisissez. On n’a pas beaucoup de marge de manœuvre lorsqu’on est un cinéaste débutant qui réalise un petit film indépendant. À l’origine, le film s’appelait Pet Shop Boys, mais le groupe nous a fait savoir que ce n’était pas la peine d’y songer, alors nous l’avons rebaptisé Pet Shop Days. C’était censé être une sorte de clin d’œil à leur égard, mais je ne pense pas qu’ils aient vraiment compris notre projet.
Parmi les producteurs, on trouve Martin Scorsese et Michel Franco. Comment avez-vous collaboré avec eux ?
J’avais déjà travaillé avec Michel Franco sur Memory (2023). Nous avions noué une relation solide et il m’a beaucoup soutenu tout au long du projet, dès le début. Il s’est associé pour m’aider à réaliser le film. Marty n’est intervenu qu’une fois le film terminé. Je le lui ai montré, il a très bien réagi, m’a consacré beaucoup de temps et m’a fait part de ses commentaires. C’est une expérience dont je me souviendrai toujours. Je lui ai demandé s’il accepterait d’être producteur exécutif du film, pensant que cela aiderait probablement à le faire connaître au monde entier, ce qu’il a accepté. Il m’a beaucoup aidé lors de la sortie du film, il l’a défendu et a prêté son nom pour s’assurer qu’il soit vu par le plus de monde possible. Il était vraiment enthousiaste ; je ne sais pas exactement pourquoi, mais pour moi, il a fait toute la différence.
Vous avez tourné votre film en 2022. Pouvez-vous nous en dire plus sur vos projets ou est-il encore trop tôt pour en parler ?
J’ai beaucoup produit ces deux dernières années, notamment un film intitulé Lurker, réalisé par Alex Russell, et le film de mon père, In The Hand of Dante. Nous produisons actuellement un autre film intitulé Club Kid. Mais j’ai réalisé que ma passion était la réalisation. J’ai déjà travaillé sur plusieurs scénarios différents. Même si je vais bientôt avoir un bébé, j’aimerais tourner un film l’année prochaine. Du temps a passé depuis 2022 et Pet Shop Days, et je pense qu’il sera intéressant de voir ce que j’ai appris, ce que j’ai retenu de cette expérience et comment je vais m’en servir pour développer mon langage de cinéaste. J’ai écrit deux autres films, l’un est un film d’horreur qui se déroule au Mexique, et l’autre est une sorte d’odyssée de 24 heures à New York. Il est important pour moi d’aller de l’avant. Pet Shop Days était mon premier film, mais ce ne sera certainement pas le dernier.
Tous nos remerciements à Paris Cinéma Club, Ronald Chammah et Paulina Gautier-Mons.
Traduit de l’anglais par Guillaume Narguet
Original version
Olmo Schnabel: ‘Pet Shop Days is a love letter to a fantasized version of old New York.‘
For his first film, Pet Shop Days, Olmo Schnabel (son of director and painter Julian Schnabel) offers us a raw, incandescent, and self-destructive love story between two young boys, Alejandro (Darío Yazbek Bernal, in the difficult role of a sacrificial mad dog) and Jack (Jack Irv, a placid, naive young man who undergoes a true rite of passage), who should never have met. The first leaves Mexico and his stifling family environment after (he believes) accidentally killing his mother; the second, a young New York bourgeois, escapes his own family by scraping by with odd jobs. Their first encounter takes place in a timeless, fantasized New York. What follows is a passionate affair, mixed with sex, drugs, and various thefts, which will lead these two Bonnie and Clyde of Generation Z to lose themselves in a dangerous and tragic spiral à la Sailor and Lula. Olmo Schnabel agreed to answer questions from À Rebours on the occasion of the French release of his film, shot in 2022.
À Rebours : Pet Shop Days is your first film as a director. What made you want to get into filmmaking?
Olmo Schnabel : I would say that this desire dates back to my childhood. Whenever I could escape reality or when I simply wanted to isolate myself and find some time for myself, I would go to the movies. It was a natural reflex, unlike other activities that always required effort on my part. I was barely born when my father started filming. So, I fully experienced this period of his career when he was not only a painter but also a director, which allowed me to attend the filming of Before Night Falls, The Diving Bell and the Butterfly… I love these films, and I think seeing him make them in real time made me want to reproduce the process myself. I always knew that was what I wanted to do. For quite a long time, it scared me, and I hesitated to take the plunge. I told myself that I wasn’t cut out for it and that maybe I should do something else, because I didn’t believe in myself and I wasn’t confident in my ability to do what I loved. I had to overcome that fear. In the meantime, I devoted myself to many other professions. I studied art history and initially thought about becoming an art dealer or curator. But my childhood love of cinema naturally took over. When you’re passionate about something, it’s easier to devote yourself to it entirely. Cinema is obviously very difficult, but it’s worth persevering, even if things don’t go as you would like. You always have to hold on.
You mentioned your father. Do you think you have to prove yourself more when you’re the son or daughter of a famous director? Are there any pitfalls you absolutely must avoid so you’re not constantly compared to him?
I don’t know if I need to prove anything to him. I think a lot of people love making these comparisons. He showed me the way, and thanks to him, I knew what was possible. I am obviously very grateful to him for allowing me to attend film shoots and giving me the opportunity to grow up in that environment. I would even go so far as to say that I don’t think I would be a filmmaker if he hadn’t been a filmmaker himself. I wouldn’t have been as interested in cinema if he hadn’t shown me all those films when I was young and if he hadn’t devoted that time to me, which is essential for a child’s education and intellectual development. And even now, that’s what we do: when we spend time together, we watch movies, it’s as simple as that. Ultimately, it’s work that has to speak for itself. Sometimes people tend to think that you have a lot of opportunities because you come from a privileged background. I accept that, I’m not going to hide it, but it was still very difficult for me to get through that first experience. It was a process that took a lot of time, especially since the film wasn’t easy to make. I don’t pay attention to these snap judgments. People make up stories about you, about how you implemented this project, but for me, what really matters is what my father and I experienced and shared while watching movies, talking about cinema, and being on film sets. All of that was very valuable for my education.
The film tells the story of two young men, Alejandro and Jack. The first is going through a difficult period and drags the other, who is very naive, into a dangerous spiral. What brings them together is primarily their conflictual relationship with their respective fathers. Is this film also a way for you to symbolically kill your father?
They come from different backgrounds but share many similar experiences. In this film, everyone in both families is dysfunctional: parents, children… The main theme is that, no matter where they are in their lives, or how much money they have, and even though everything seems to be going well on the surface, as in any perfect, stereotypical family, when you scratch the surface a little, you quickly realize that all the characters are trying to find meaning in their lives and survive as best they can. They all have an impulsive side that comes from this quest for meaning. This is precisely what drives them to act erratically. It’s true that when you’re searching for meaning in your life, you’re open to anything that might come your way. Alejandro and Jack are on this quest for identity, which is why they’re willing to do anything without thinking about the consequences, just to feel alive.
In the film, the father-son confrontation is complex. In the first case, between Alejandro and his father, it simply does not exist. In the second case, between Jack and his father, they reconcile, but it can seem hypocritical, and we do not quite believe in this relationship. What is your opinion?
Jack and his father are both aware that they are overwhelmed by events and that they are searching for something. They eventually find a way to communicate and forgive each other. More than anything else, this is about forgiveness, but also about saying goodbye. I don’t think Francis, played by Willem Dafoe, will become a better father afterwards; he is simply freed from a burden. Indeed, the problematic situation they were in is resolved, and that is what is liberating and a huge relief: they no longer have to hide, they can now act openly and no longer have expectations of each other. This is proof that Jack is maturing. When we grow up, we judge our parents, we want them to set an example, and if they fail, we tend to be disappointed. But the real proof of maturity is realizing at some point that, no matter where you are in your life, or how successful you are, you will never avoid problems because life is, by definition, conflictual. The key is to constantly work on becoming a better person.
Alejandro’s relationship with his mother is quite ambiguous, almost incestuous, if we think about the opening scene of the film. Indeed, Alejandro and Carla are presented in such a way that at first they seem to be lovers, as if there were no escape from the family pattern in which they are trapped. Alejandro feels genuine love for his mother, but this love remains confined within the family. Is this the message you wanted to convey through the film?
It’s not actual incest. Obviously, we play around with that idea a lot. More than anything, I would say that they are trapped in a gilded cage. Although they live in this beautiful place, the only thing they truly have is their relationship with each other. It is with each other that they find comfort and intimacy, since they are prisoners of their reality and their environment. Because of their proximity, they can only rely on each other, and that’s what I wanted to show more than anything else in this film. I’m not going to reveal the plot, but when Alejandro escapes from this prison after « killing » his mother, he betrays himself to the highest degree. This explains his self-destructive behavior once he arrives in New York, because he has already given up everything he loved. It was important for me to portray a relationship that is not simply a mother-son bond. There is no hierarchy between them; they are more like friends and, in fact, lovers. I didn’t want to explicitly allude to the latter point, but I did want people to question the closeness of this unique and singular relationship.
The film is an odyssey through Manhattan by Alejandro and Jack, both members of Generation Z, where sex and drugs are omnipresent. Could we call it a Generation Z version of Bonnie and Clyde?
Of course. This film is also about youth. However, Generation Z is closely associated with many elements that are absent from the film: there are no phones or social media. It’s a Bonnie and Clyde story, with characters who commit crimes and run away together. The action also takes place in the present day, or at least in an alternative version of the present that could be our own. So, I think calling it the Bonnie and Clyde of Generation Z is entirely appropriate.
This film also raises the question of relations between social classes: Alejandro comes from a nouveau riche family that made its fortune in the Mexican mafia. Jack comes from a bourgeois New York family. Even though they fall in love, there is a gap between them that seems difficult to bridge. For example, Alejandro breaks into Jack’s family home at night and tries on his mother’s clothes. We can imagine that he fantasizes about being part of that world, without ever being able to achieve it. It’s a rather fatalistic or pessimistic view of the world.
He cannot belong there because, even though Jack’s family is dysfunctional, it is much less so than Alejandro’s. He is plagued by psychotic disorders. He notices that Jack has an advantage over him: the possibility of leading a normal life, or at least one that is more normal than his own, and that is all he aspires to. Even though Jack’s family life seems broken, Alejandro realizes that his friend still has a chance to get what he wants, so it’s not completely over for him, unlike Alejandro, who has chosen the path of self-destruction. Alejandro wants it all to end and no longer tries to escape, or more precisely, he tries to escape in a different way, not by running away with Jack. He knows he is doomed, and he will do whatever it takes to bring about the end as soon as possible. But he nevertheless has a romantic view of the matter: he doesn’t want to simply end his life; he wants to take everyone down with him.
Alejandro’s father sends a family friend to retrieve his son and bring him back to Mexico by any means necessary. This may remind us of Harry Dean Stanton’s character in David Lynch’s Wild at Heart, a film that also stars Willem Dafoe, in which Stanton’s character is sent by Lula’s mother to bring her home. Wild at Heart is also a Bonnie and Clyde-style road movie, with sex and drugs. Did you have that film in mind when you wrote yours?
No, but Jack [Irv], who co-wrote the screenplay with me, certainly had it in mind. Sailor and Lula comes to mind, of course, but also After Hours and a whole series of films, such as Thelma and Louise and True Romance. These films all follow the same pattern in a way.
There are obviously explicit references, like a kind of homage we paid, consciously or unconsciously, to these films. More than just a romantic nod, all these references helped shape the story we wrote and filmed.
New York is a character in its own right in the film. What exactly is your vision of New York?
That’s a relevant question, because New York is indeed a character in the film, but it’s a New York that no longer exists, a New York from a fairy tale that has gone awry, and which is more reminiscent of what the city was like in the 1970s or 1980s. It was important to recreate a city that was not faithful to what it is today, i.e., a version that is undoubtedly sanitized and censored. In the film, it’s a kind of pornographic, no-holds-barred New York. At least, that’s the impression it gives, since it’s supposed to be a place where anything can happen, where opportunities arise around every corner and adventure inevitably falls into your lap. Alejandro and Jack lose all control in this city that overwhelms them. It has a particular texture and exudes a dangerous, sexy, and dark atmosphere. Pet Shop Days is a love letter to a fantasized old New York.
The use of light also contributes to this unsettling atmosphere. It sometimes seems blurry, almost dirty. As you said, even though the action takes place in Manhattan today, you can see the New York of the 70s or 80s in it, because of the particular grain of the photography. Your director of photography, Hunter Zimny, shot on 16mm film. So the throwback effect to those years was intentional.
Of course. But we also love color. There’s a lot of red, in dark tones. Very often, the characters step into and out of the light, as if it were a passageway to be crossed. This was part of our desire to give New York more character, so that it wouldn’t remain discreet or in the background. I wanted the city to make its mark on the film. And to do that, I had very specific ideas about which neighborhoods would make it easier to achieve that effect; we couldn’t just shoot anywhere. We wanted to make sure that the city had that raw, dangerous side to it, and that it exuded a certain darkness that contradicted its image as the center of the world where everything is fine. I don’t live in New York anymore, so I played with my memories and nostalgia to recreate a city that would fit the film. In our story, a lot of things happen that couldn’t happen today (the ease with which the characters break in and get away, for example). Many elements are fictionalized and highlight a decadent side. New York is no longer the same between day and night, during which the city completely falls apart.
There is a mixture of drama and comedy. Take the scene with the escort girl who decides to go to the bathroom before having a threesome with Jack and Alejandro, which makes Alejandro very angry. It’s almost a comical scene. Was it important for you to mix comical and tragic aspects?
When addressing certain sensitive or personal issues, you can either take a serious approach or use humor. When faced with a problematic situation or a difficult period in your life, being able to laugh at it can often help you see it differently. This is clearly reflected in the language of the film. We tend to treat subjects that seem dark and disturbing with humor. It’s funny and, at the same time, it can be shocking at times, causing a certain amount of turmoil or confusion. I think this film is also meant to be entertaining, with a touch of teenage recklessness. We try not to take ourselves too seriously and to offer a film that gives a sense of freedom, without any desire for censorship. At the end, when Alejandro commits a burglary, he starts looking at a painting of a little boy and becomes mesmerized by it. He then goes upstairs and sniffs women’s underwear. This creates a playful tone that doesn’t take itself too seriously.
The cast is very diverse, with both young actors and more experienced ones, such as Willem Dafoe, Emmanuelle Seigner, and Maribel Verdú. Was it important for you to have such a variety of profiles in your first film, with both seasoned actors and newcomers?
Jack [Irv] wrote the screenplay, so it made sense for him to play Jack, because Jack is Jack. I also knew Darío Yazbek Bernal. He read the screenplay very early on and identified completely with the character. He saw it as an opportunity to play a different kind of character. Obviously, you can’t make a movie with only amateur actors, so I called on Willem Dafoe. I’d known him forever, because he had worked with my father and we had become friends. During the filming of At Eternity’s Gate [by Julian Schnabel, 2018], he read the script and found it extremely entertaining and refreshing. So we built the film around him. When he finally gave me a positive response and told me he could do it, everything fell into place very quickly. Indeed, when someone of Willem’s stature participates in a project, it inevitably attracts other actors who want to join the adventure. Having Emmanuelle Seigner and Maribel Verdú was surreal, because they are two actresses I have always loved since I was a child. When writing their characters, I knew they could really immerse themselves in their roles and identify with these mothers. In a way, I was coming full circle, because I would have loved to work with them when I was younger, but I thought that such an opportunity would never arise. So, when the opportunity came along, I thought that the universe or providence had granted one of my dearest wishes. This mix of veteran and novice actors also had to be reflected in the male roles. This allowed me to ask the young actors to do things I would never have dared to ask performers I didn’t know beforehand. I knew that Darío and Jack would give their all to their roles and that they wouldn’t feel uncomfortable. It wasn’t an easy shoot, so I preferred to work with people I knew well, and that’s what kept the film moving forward. If I had asked someone, I didn’t know to do all that, they would have simply given up. So they were, in a way, the force that brought the film to life. And everyone, including myself, rallied around that idea.
Peter Greene makes an appearance. It reminds us of famous films from the 90s, such as The Mask, Usual Suspects, and Pulp Fiction. A period during which he was very active, before disappearing from the film industry. Is it a tribute to 90s cinema?
Yes! I love Peter Greene. Many people made an impression on me when I was younger, and he’s one of them. Even Jordi Molla, who can be seen in Jamón, Jamón and Blow. These people have remained etched in my memory and had a profound impact on me during my formative years. And suddenly, they came back to me. But of course, the film is above all a love letter to a cinema that no longer exists, whether it’s Taxi Driver, the films of Brian De Palma or John Cassavetes, which are more the references for the New York we wanted to portray.
Gregg Araki and Larry Clark also come to mind.
I love Bully and Kids! The former in particular was a major reference. That film had a big impact on me when I was younger. I could also mention Harmony Korine’s films. The list is long of people I admire and respect, and who inspired me to become a filmmaker.
In terms of the music selection, you give a nod to the Pet Shop Boys, as the title suggests. However, the soundtrack was composed almost entirely by Eli Keszler. Why did you make that choice?
Our editor, Sophie Corra, introduced me to Eli, and I immediately felt that we were on the same wavelength. He understood the film and was enthusiastic about working on it. When someone is motivated, enthusiastic, and seems to understand your vision, you jump at the opportunity and seize it. You don’t have much leeway when you’re a novice filmmaker making a small independent film. The film was originally called Pet Shop Boys, but the band let us know that was out of the question, so we renamed it Pet Shop Days. It was meant to be a kind of nod to them, but I don’t think they really understood our project.
Martin Scorsese and Michel Franco are among the producers. How did you collaborate with them?
I had already worked with Michel Franco on Memory (2023). We had built a strong relationship and he supported me a lot throughout the project, right from the start. He came on board to help me make the film. Marty only got involved once the film was finished. I showed it to him, he reacted very well, spent a lot of time with me, and gave me his feedback. It’s an experience I’ll always remember. I asked him if he would agree to be the film’s executive producer, thinking that it would probably help get it out to the world, and he agreed. He helped me a lot when the film was released, championing it and lending his name to ensure it was seen by as many people as possible. He was really enthusiastic; I don’t know exactly why, but for me, he made all the difference.
You shot your film in 2022. Can you tell us more about your projects, or is it still too early to talk about them?
I’ve produced a lot over the last two years, including a film called Lurker, directed by Alex Russell, and my father’s film, In The Hand of Dante. We’re currently producing another film called Club Kid. But I realized that my passion was directing. I’ve already worked on several different scripts. Even though I’m about to have a baby, I’d like to shoot a film next year. It’s been a while since 2022 and Pet Shop Days, and I think it will be interesting to see what I’ve learned, what I’ve taken away from that experience, and how I’m going to use it to develop my language as a filmmaker. I’ve written two other films, one is a horror film set in Mexico, and the other is a kind of 24-hour odyssey in New York. It’s important for me to move forward. Pet Shop Days was my first film, but it certainly won’t be my last.
